Dlaczego produkcje solowe rozkwitają w indyjskim teatrze

W solówce aktor jest sam na scenie i zdaje sobie sprawę, że każde oko w mrocznej sali pełnej sylwetek jest – i powinno być – wycelowane w niego.

Dlaczego produkcje solowe rozkwitają w indyjskim teatrze

W niewerbalnej sztuce zatytułowanej UNSEEN, 26-letnia aktorka Kalyanee Mulay wchodzi na scenę w staniku i spodenkach rowerowych, wkłada białą halkę, goli nogi, mierzy taśmą części ciała, w tym język, i dotyka. siebie, próbując połaskotać i zakłócić konwencjonalny kulturowy związek z kobiecym ciałem. Sztuka oparta jest na liście napisanym przez Rabindranatha Tagore w odniesieniu do przemówienia aktywisty Pandity Ramabai z 1891 roku, w którym twierdzi on, że natura uczyniła kobiety słabszymi fizycznie i intelektualnie od mężczyzn. Jedna z najbardziej prowokacyjnych i udanych produkcji na torze, unSEEN, wzbudziła wiele kontrowersji, gdy została po raz pierwszy wystawiona w 2012 roku.

C Sharp C Blunt pojawił się rok później. 36-letni Pallavi MD naśladuje muzyczną aplikację na smartfona o nazwie Shilpa, z której mogą korzystać widzowie. Ludzie sugerują zdanie lub wers, a ona prosi ich o wybranie słodyczy, wysokości, elastyczności i seksapilu jej głosu w skali od jednego do 10. Pallavi wykorzystuje swoje lata nauki w muzyce klasycznej, aby śpiewać zgodnie z rozkazami publiczności, z dodano opcje jednoczesnego mrugania oczami, machania rękami, potrząsania talią i zakrywania głowy welonem. Publiczność to uwielbia i niewielu zdaje sobie sprawę, że jest to moment, w którym siadają do przodu i zaczynają łączyć kropki dotyczące płci w fabule.

Jeszcze kilka lat temu unSEEN i C Sharp C Blunt koncertowali dla niszowych odbiorców lub byli ukryci wśród dużych, grupowych pokazów. Zamiast tego w grudniu ubiegłego roku znaleźli się wśród 14 spektakli na ekskluzywnym festiwalu teatru solowego. Odbywający się po raz pierwszy Ekaharya Performance Festival w Tripunithura w Kerali był odpowiedzią na niedawny rozwój — odmłodzenie teatru solowego w Indiach. Skupiono się na solówkach jako gatunku samym w sobie, mówi Maya Krishna Rao, wielka dama solówek, której przerażający Khol Do, oparty na historii Manto o ojcu szukającym córki, która została kilkakrotnie zgwałcona w chaosie Partition pomogło ponownie uruchomić gatunek w 1993 roku. W National School of Drama w Delhi, gdzie Rao był niegdyś wykładowcą, coroczny teatr Bharat Rang Mahotsav (BRM) w lutym również odzwierciedlał tę zmianę. Szkoła otrzymała rekordową liczbę zgłoszeń solowych, a 10 dokonało cięcia.

najłatwiejsze w pielęgnacji rośliny wiszące

Solówki zawsze były częścią indyjskiej tradycji wykonawczej, ale myślę, że nie były tak uzasadnione, jak występy grupowe i były postrzegane jako alternatywa dla głównego. Ideologia grupowa dominowała w latach IPTA między latami 40. a 80. XX wieku. Od lat 90. utrzymanie grupy stało się trudne. Prawdopodobnie wraz z liberalizacją jednostki zaczęły wychodzić poza grupy. Teraz liczba solówek wzrosła, więc przyglądanie się im kuratorsko jest ćwiczeniem z patrzenia na rozwój jednostki, mówi reżyser teatralny Abhilash Pillai, kurator Ekaharya.

W solówce aktor jest sam na scenie i zdaje sobie sprawę, że każde oko w mrocznej sali pełnej sylwetek jest – i powinno być – wycelowane w niego. Większość solówek trwa mniej niż godzinę, ale niektóre są tak długie jak film. Tylko siła przekonania przetrwa przedstawienie. Mieszkająca w Delhi 31-letnia Mallika Taneja satyruje obsesję na punkcie wyglądu kobiety, przychodząc w bieliźnie i stopniowo okładając się w wiele warstw T-shirtów, szortów, sukienek, szalików, skarpet i kasku, zanim zapyta, Kaisi lag rahi hoon main ? w Thoda Dhyaan Se. Opisuje solówki jako jeden z punktów odniesienia do testowania odwagi aktora. Mulay nazywa to wspaniałą formą osobistej przemiany i samopoznania, ponieważ aby wykonać tego rodzaju pracę, trzeba być bardzo wrażliwym i otwartym. Pallavi dodaje, że nie może pozwolić, by straciła koncentrację, ponieważ na scenie nie ma nikogo, kto mógłby mnie uratować. Gdy wykonawcy przekraczają swoje mocne i słabe strony, popychają scenę do granic możliwości, sprawiając, że jednoosobowe przedstawienia są zarówno osobiste, jak i radykalne.

jak wyglądają wiśnie

Nawet wykonawcy, którzy podążają tradycyjną ścieżką, wkraczają na nowy grunt. Mieszkający w Patnie Ajay Kumar, lat 40, próbuje ożywić katha-gaayan-vaachan, starożytną formę, w której gawędziarze ludowi przetrzymują spotkania godzinami w niewoli, opowiadając im historię za pomocą piosenek, narracji i gry aktorskiej. Oprócz tradycyjnych opowiadań, rozpoczął muzyczną recytację wierszy współczesnych poetów hindi, takich jak Suryakant Tripathi „Nirala”, Raghuvir Sahay, Sarveshwar Dayal Saxenaa, Shrikant Verma i Bharatendu Harishchandra. W BRM wykonał Mayee Ree Main Kaa Se Kahun, opowieść Vijaydana Dehty o duchu, który zakochuje się w pannie młodej, przed domowymi tłumami. Moja sztuka stoi między mową a pieśnią. Kiedy przechodzimy od mówienia do śpiewania? Kiedy znowu zaczynamy rozmawiać? Zmieniamy się w narratora iw mgnieniu oka śpiewaka. Na tym polega zabawa. Kiedy opanujesz ten styl, możesz opowiedzieć dowolną historię, mówi Kumar.

Weterani przewyższają liczebnie nowicjuszy na scenie solowej. Naseeruddin Shah występuje solo w Einsteinie, Anupam Kher podróżuje przez swoje życie, grając siebie i ludzi, których spotkał przez lata, w autobiograficznej Kuchh Bhi Ho Sakta Hai, a pochodząca z Kalkuty Sanchayita Bhattacharya przekazuje ducha Franca Rame, włoskiego aktora -działaczka i żona Dario Fo w Samotnej kobiecie, opowieści o gospodyni domowej, która nie chce mordować mężczyzn w swoim życiu. Seema Biswas wchodzi pod skórę wdowy, która jest uważana za martwą i pozostawiona na stosie krematorium, tylko po to, by zyskać świadomość w reżyserowanym przez Anuradha Kapur Jeevit ya Mrit.

Innym szeroko granym przedstawieniem jest Saag Meat, w którym Seema Pahwa gotuje tytułowe danie z baraniny, podczas gdy opowiada o swojej pomocy domowej i nieświadomie ujawnia mroczną historię nadużyć. W ciągu dwóch lat w salach, domach i restauracjach odbyło się ponad 55 pokazów Saag Meat, a każdy występ kończy się wsłuchiwaniem się publiczności w mięso, które aktor gotuje na scenie. W miarę mnożenia się solówek wypada – choć zbieg okoliczności – że weteran biografii solowych Tulsidasa, Kabira, Vivekanandy i Soordasa, Shekhar Sen, został mianowany przewodniczącym Sangeet Natak Akademi.

Szkoły aktorskie uwzględniają występy solowe w swoim programie nauczania, ale zatłoczona sala szanuje tylko bystrego wykonawcę, zwłaszcza jeśli grają wiele postaci. Musisz wyciągnąć każdą sztuczkę z kapelusza, mówi Taneja, która występowała w dużych produkcjach, takich jak The Winter's Tale z repertuarem Kijanka z Delhi, zanim spróbuje jej zuchwałej Thody Dhyaan Se. Z drugiej strony Mulay współpracował z innym ekspertem, reżyserem Vishnupadem Barve, dla unSEEN.
Starsi artyści, żartuje z jednego reżysera, uwielbiają solówki, bo nie chcą dzielić się pieniędzmi. To prawda, że ​​inwestycje finansowe są tu mniejsze niż w grupach. Solówki umożliwiają aktorom szerokie podróżowanie na festiwale i pokazy w metrach i miastach poziomu II i III, a także poza granicami kraju. Również pod względem estetycznym solo może odciąć gramatykę proscenium, taką jak właściwości, wzmacniacze, mikrofony i światła skupiające. Można też zażartować, że aby stworzyć udaną solówkę, wystarczą dwie osoby – jedna do wykonania, a druga do oglądania. Miejsce może różnić się od parku do kawalerki i, jak pokazał Vinu Joseph z Kerali, wszędzie jest dobrze.

pomarańczowy kwiat z żółtym środkiem

Józef nie działał w sali pałacu Tripunithura, gdzie odbywał się festiwal Ekaharya. Z ciałem wypchniętym i zniekształconym przez balony, zaprezentował swój utwór Dr Vikadan, The Theatre Clown, gdy publiczność wchodziła i wychodziła z innych przedstawień przez korytarze, za rogiem, a nawet w kuchni. Po grudniowej masakrze dzieci w wieku szkolnym w Peszawarze wykonał z balonów lalkę z dziecka i występował z nią. Rozdęta kukiełka nie nabrała kształtu ciała, była tylko istotą, która poruszała się między publicznością. Czasami Joseph zaczynał opowiadać o przemocy wobec dzieci, a innym razem stał nieruchomo jak nieruchoma rzeźba. To było niewerbalne i bardzo wciągające, dzieci go kochały, mówi Pillai.

Większość aktorów solowych wykorzystuje interakcje, w których widzowie uczestniczą w procesie twórczym przedstawienia. W „Zabić albo nie zabijać” Jilmila Hajariki z siedzibą w Delhi widzowie rozmawiają z Medeą, która nienawidzi mężczyzn, i Hamletem, który nienawidzi kobiet, a w końcowej scenie obłąkana bohaterka Eurypedy przygotowuje się do zabicia swojego męża. Jason i dzieci stają się chórem, wołającym jednym głosem: Hosh mein aa Medea.

Czy ambicja aktorska i spowolnienie gospodarcze sprawią, że solówki będą dominującą formą? A może teatr indyjski będzie odzwierciedleniem koegzystencji widzianej na festiwalu w Edynburgu, gdzie solówki i grupy przyciągają równe tłumy? Dlaczego porównywać? pyta Pillai, Ważne jest, aby nie odsuwać solówek na boczny tor. W końcu, jeśli słyszysz jeden głos w grupie, czasami słyszysz tylko ten głos. Grupa też jest potrzebna, ale żeby nie było ograniczone, równanie musi się zmienić. Tymczasem Mulay przygotowuje kolejną solówkę na jeszcze w tym roku.