Obrazy Pichvai przedstawiające Nathdwarę: XVII-wieczna sztuka przechodząca współczesne ubijanie

XVII-wieczna forma sztuki, która wydobywa wiele nastrojów Pana Kryszny.

Sztuka kultu: Kult Shrinathji: obrazy pichvai z Nathdwara powstały w Radżastanie. Centralną postacią często był Shrinathji – Pan Kryszna jako siedmioletni chłopiec.

W 2016 roku, kiedy Pooja Singhal, reaktywistka z Delhi z doświadczeniem biznesowym, udała się na poszukiwanie słynnych obrazów pichvai w lokalnej świątyni w Nathdwara w Radżastanie, była rozczarowana. Mówi, że to miejsce zostało zalane płytą MDF (płyta pilśniowa średniej gęstości) z Shrinathjis. Artyści malowali obrazy natryskowo i przyklejali do nich małe kryształki. Obrazy wyglądały bardzo jaskrawo, mówi. Pomimo spotkania z wieloma artystami, 42-latka miała problemy ze znalezieniem jakości, której szukała. Mówi, że młodsze pokolenia rodzin artystów przestały uprawiać sztukę i przeszły do ​​form współczesnych.

Jeden z najwspanialszych stylów w indyjskiej tradycji malarskiej, obrazy piczwaju Nathdwary, powstały w XVII wieku i rozkwitły pod patronatem świątyni Nathdwara. Centralną postacią była często postać Shrinathji – Pana Kriszny jako siedmioletniego chłopca – z oczami w kształcie półksiężyców, girlandą z pąków lotosu na szyi i podniesioną lewą ręką, nawiązując do tego, kiedy młody bóg uniósł się w górę. Góra Govardhan, aby chronić mieszkańców Vraj przed potopem Indry. Ten i inne epizody z życia Kryszny były częstym tematem artystów, którzy wymyślali szczegółowe kompozycje, często przedstawiające delikatne różowe lotosy, białe krowy z czerwonymi odciskami dłoni i gopi, które gromadziły się wokół Kryszny. Malowidła były głównie na dużych kawałkach materiału zwanych pichvais, tradycyjnie używanych jako tło dla idola w haveli Shrinathji w Nathdwara. Pierwotnie były to dzieła sztuki sakralnej, stworzone przez artystów jako wyraz ich oddania i ukazujące wiele nastrojów pana.

zdjęcia kwiatów wszelkiego rodzaju

Misją Singhal od sześciu lat jest odrodzenie tej formy sztuki i w tym celu w 2009 roku założyła Pichvai Tradition and Beyond, inicjatywę, w ramach której artyści wywodzący się z tradycji są zachęcani do tworzenia dzieł, które zachowując jednocześnie oryginalny styl, przylegają również do współczesnej estetyki. Moja mama jest kolekcjonerką sztuki, a dom, w którym dorastałem, był pełen pięknej sztuki wszelkiego rodzaju, mówi przedsiębiorca, który dorastał w Udaipur, dorastałem kochając pichvais ze względu na kolory i drobne detale. Ale kiedy zaczęła kupować dla siebie sztukę, Singhal odkryła, że ​​nie może zbliżyć się do pichvais, które posiadała jej matka.

Według Singhala nie tylko wyschnięcie mecenatu przyczyniło się do upadku malarstwa pichvai. Wielu starszych artystów mówiło mi, że kiedy zaczynali praktyki, przez jakieś dwa lata, to tylko szkicowali. Potem przez wiele lat uczyli się wypełniać kolory i tworzyć kompozycje. Ale ich dzieci nie chcą spędzać lat na nauce szlifowania i przygotowywania kolorów. Chcą używać szablonów, mówi Singhal. Wielu młodych artystów tworzy podstawę obrazu za pomocą pistoletu natryskowego. Prawdziwi artyści nigdy by tego nie zrobili, mówi Singhal.

W 2009 roku aktywnie zaczęła poszukiwać artystów, którzy mogliby wykonać wysokiej jakości prace, których szukała. W dowolnym momencie współpracujemy z 30-40 artystami. Niektórzy pracują w naszym atelier, które znajduje się na obrzeżach Udaipur, a inni pracują na nasze zlecenie z domu. Dla Singhala odrodzenie formy sztuki oznacza przywrócenie oryginalnej techniki, ale umożliwienie interwencji w tradycyjnym kontekście w sposób, który staje się aktualny dzisiaj.

Na przykład Singhal zachęcał artystów do podzielenia chaubees swaroop (24 nastroje) z Shrinathji, zazwyczaj przedstawianych wzdłuż granic pichvai, i podzielenia ich na pojedyncze kompozycje w mniejszej skali. Zachęcano także artystów do odtworzenia wielkoformatowych pichvai na mniejsze obrazy inspirowane miniaturami. Pozostał wyraźny idiom Nathdwara przedstawiający krowy o sennych oczach, postacie ludzkie o zaokrąglonych ciałach i dużych migdałowych oczach. Jednak wiele kompozycji zostało unowocześnionych, aby były mniej jawnie religijne i przemawiały do ​​tych, którzy lubili czystszy, bardziej współczesny wygląd. Odbywało się to poprzez zlecanie prac przedstawiających architekturę kompleksu świątynnego lub poprzez wykorzystanie szkiców zamiast obrazów. Singhal mówi: Artyści najpierw robią szkic, potem dodają kolory, a na końcu likhai, co jest bardzo dobrym szkicem. Chciałem, żeby likhai był pierwszym krokiem do niektórych prac, ale zajęło mi trochę czasu, zanim artyści to zrozumieli. Singhal chciał również stworzyć serię prawie pocztówkowych kawałków pokazujących, jak shringar Shrinathji jest wykonywany każdego dnia w roku. Nabyła 300 takich szkiców od artysty, który zaczął nagrywać codzienne shringar pana jako osobisty projekt. Artysta, którego nazwisko pozostaje nieznane, zmarł jednak, zanim zdążył ukończyć projekt. Pozostałe 65 wykonali artyści w atelier Singhala.

Pokazaliśmy je na naszej wystawie na Biennale Kochi-Muziris. Ludzie je kochali, a nawet kupowali, mówi Singhal.

Ostatecznie, mówi Singhal, przyszłość każdej sztuki jest powiązana z zainteresowaniem komercyjnym, jakie może generować. Nie może być przebudzenia bez handlu, mówi, ale czy pichvai nadal jest pichvai, gdy jest pomniejszony pod względem wielkości i składu? Technicznie rzecz biorąc, pichvai nie powinien nawet przedstawiać wizerunku Shrinathji. Miały być tylko tłem dla idola, mówi Singhal. Ale pichvai przetrwał, ponieważ zdołał sam w sobie stać się formą sztuki. Wszystko ewoluuje, a to kolejny sposób, w jaki sztuka zmieniała się wraz z upływem czasu – dodaje.

rodzaje palm na Florydzie