Jane Kaufman, artystka, która celebrowała twórczość kobiet, umiera w wieku 83

Kaufman zmarła 2 czerwca w swoim domu w Andach w stanie Nowy Jork. Miała 83 lata. Jej śmierć potwierdziła przyjaciółka Abby Robinson.

W 1966 wyszła za mąż za Douga Ohlsona, malarza abstrakcyjnego. Małżeństwo zakończyło się rozwodem na początku lat siedemdziesiątych. Żaden najbliższy członek rodziny nie przeżyje.

Ze scenariuszem Penelope Green

Jane Kaufman malowała minimalistyczne obrazy na początku lat 70., natryskując farbę samochodową na ogromne płótna. Oczywiście, farba była błyszcząca, więc płótna mieniły się – abstrakcja liryczna to sposób, w jaki jeden recenzent opisywał jej sztukę i innych wykonujących podobną pracę – ale oni byli zdecydowani na swój redukcyjny, minimalistyczny moment. Hilton Kramer z The New York Times zaaprobował, dając Kaufmanowi skinienie głową jako nowy abstrakcjonista w swojej przeważnie lekceważącej recenzji Biennale Whitney w 1973 roku.

Wtedy Kaufman wykonał ostry zakręt.

Zaczęła szyć i kleić swoje prace, używając materiałów dekoracyjnych, takich jak koraliki z trąbkami, metaliczną nicią i piórami, wykorzystując umiejętności haftu i szycia, których nauczyła się od swojej rosyjskiej babci. Pod koniec dekady tworzyła najpierw luminescencyjne ekrany i draperie, potem misterne kołdry oparte na tradycyjnych amerykańskich wzorach.

pokaż mi zdjęcie sykomory

Celebrując tak zwaną kobiecą pracę szwalniczą i rzemieślniczą, dokonała radykalnego aktu, grając w dominujący ruch artystyczny epoki.

Kaufman zmarła 2 czerwca w swoim domu w Andach w stanie Nowy Jork. Miała 83 lata. Jej śmierć potwierdziła przyjaciółka Abby Robinson.

Kaufman nie była osamotniona w swoim zainteresowaniu dekoracją. Artyści, tacy jak Joyce Kozloff i Miriam Schapiro, podobnie jak ona, inspirowali się wzorami i motywami znalezionymi w północnoafrykańskich mozaikach, perskim tekstyliach i japońskich kimonach, a także rodzimym rzemiosłem domowym, takim jak pikowanie i hafty. Była to sztuka feministyczna, choć nie wszystkie jej praktykujące były kobiety. (Jeden z bardziej znanych, Tony Robbin, jest mężczyzną.)

Ruch stał się znany jako wzór i dekoracja. Kaufman był kuratorem swojej pierwszej wystawy zbiorowej w 1976 roku w Galerii Alessandra na Broome Street na dolnym Manhattanie i nazwał ją Dziesięć podejść do dekoracji (było 10 artystów). Na wystawę wniosła małe obrazy, które powiesiła parami, gęsto w pasy z błyszczącymi koralikami na trąbkę.

Obrazy są małe, ponieważ nie są ścianami, są ścianami – napisała Kaufman w swoim oświadczeniu artysty.

Inne galerie, takie jak Holly Solomon w Nowym Jorku, zaczęły pokazywać prace artystów wzorów i dekoracji, a także wystartowały w Europie, zanim wypadły z łask w połowie lat 80. XX wieku. Kilkadziesiąt lat później kuratorzy zbierali artystów takich jak Kaufman w serii retrospektyw, które rozpoczęły się w 2008 roku w Hudson River Museum w Yonkers w stanie Nowy Jork.

Jest zabawny, zabawny, wybredny, perwersyjny, obsesyjny, buntowniczy, akumulacyjny, niezręczny, hipnotyczny, napisał Holland Cotter w swojej recenzji tego programu w „Timesie”. Napisał, że ruch wzorów i dekoracji był ostatnim prawdziwym ruchem artystycznym XX wieku, o wadze wystarczającej, aby na jakiś czas obalić wielką zachodnią ścianę minimalistyczną i wprowadzić do niej resztę świata.

Kaufman urodził się 26 maja 1938 roku w Nowym Jorku. Jej ojciec, Herbert Kaufman, był dyrektorem ds. reklamy we własnej firmie; jej matka, Roslyn, była gospodynią domową. W 1960 roku uzyskała tytuł Bachelor of Science w dziedzinie edukacji artystycznej na Uniwersytecie Nowojorskim oraz tytuł magistra sztuk pięknych w Hunter College. Wykładała w Bard College w Annandale-on-Hudson w stanie Nowy Jork, w 1972 roku, jako jedna z pierwszych kobiet-profesorów. Była znana z tego, że mówiła swoim studentkom: „Wszyscy jesteście wspaniali i wszyscy skończycie w Met” – powiedziała pisarka o sztuce Elizabeth Hess, absolwentka Bard.

Od 1983 do 1991 roku Kaufman był adiunktem instruktorem w Cooper Union w Nowym Jorku. Jej prace znajdują się w stałych kolekcjach Whitney Museum, Museum of Modern Art i Smithsonian Institution. W 1974 była stypendystką Guggenheim, aw 1989 otrzymała stypendium National Endowment for the Arts. Jej Crystal Hanging, błyszcząca rzeźba przypominająca deszcz meteorów, znajduje się w budynku federalnym Thomasa P. O’Neilla w Bostonie.

W 1966 wyszła za mąż za Douga Ohlsona, malarza abstrakcyjnego. Małżeństwo zakończyło się rozwodem na początku lat siedemdziesiątych.

Żaden najbliższy członek rodziny nie przeżyje.

Chociaż Kaufman bardzo poważnie podchodziła do swojej pracy, była także dowcipnisiem oddanym działaniom politycznym; przez dziesięciolecia plakat z różowym penisem, który stworzyła, był prezentowany na marszach na rzecz praw do aborcji i innych kwestii kobiecych. Jego ostatnia wycieczka odbyła się na Marszu Kobiet w Nowym Jorku w styczniu 2017 roku.

Była członkinią Guerrilla Girls, agitatorów świata sztuki, wszystkich kobiet, które protestowały przeciwko niedostatkowi kobiet i artystek z mniejszości w galeriach i muzeach, oklejając budynki na Manhattanie w środku nocy psotnymi plakatami, takimi jak Kodeks partyzanckich dziewcząt. Etyka dla muzeów sztuki, która głosiła, że ​​należy zapewnić wystawne pogrzeby kobietom i artystom kolorowym, które planetujesz, aby wystawiać je dopiero po ich śmierci, a także utrzymywać pensje kuratorów tak niskie, że kuratorzy muszą być niezależnie zamożni lub chętni do angażowania się w wykorzystywanie informacji poufnych .

Członkostwo było tylko na zaproszenie, a imiona większości członków były tajemnicą (w miejscach publicznych nosili maski goryla). Wiele Guerrilla Girls używało nazwisk zmarłych artystek, takich jak Käthe Kollwitz i Frida Kahlo. Ale Kaufman nie.

Jane miała paskudne poczucie humoru, umiejętność dotarcia do sedna problemu oraz odwagę i zasady, by stawić czoła siłom, jak powiedziała w oświadczeniu dziewczyna-partyzantka, która nazywa siebie Fridą Kahlo. Nigdy jej nie zapomnimy. Mamy nadzieję, że Jane zostanie również zapamiętana jako wspaniała artystka, która niestrudzenie pracowała nad przełamaniem konwencji „rzemiosło kontra sztuka”, a później połączyła swoją drobiazgową pracę ręczną z ostrymi treściami politycznymi.

Późniejsza praca Kaufman, jak powiedział Hess, była tak samo polityczna jak jej prace dekoracyjne i dotyczyła podziałów religijnych i społecznych. Ale nie mogła znaleźć galerii, która by to pokazała. Ogłoszono haftowany kawałek z 2010 roku, wykonany metaliczną nicią na aksamicie, Abstynencja sprawia, że ​​kościół rośnie w pieszczocie.

Była artystką, która unosiła się pod radarem, powiedział Hess. Była niedoceniana, chociaż była kuratorką pierwszego pokazu wzorów i dekoracji. Jej praca wynikała z zainteresowania pracą kobiet, ale myślę, że prawdziwym objawieniem dla pracy Jane było jej przepych i piękno.

Pod koniec 2019 roku w Muzeum Sztuki Współczesnej w Los Angeles otwarto retrospektywę With Pleasure: Pattern and Decoration in American Art 1972-1985 (obecnie jest w Bard do 28 listopada). Kurator wystawy, Anna Katz, wybrała na wystawę wielobarwną aksamitną kołdrę Kaufmana. Zainspirowana tradycyjnymi szalonymi wzorami pikowania, Kaufman wykorzystała ponad 100 tradycyjnych ściegów, niektóre z XVI wieku, w utworze, który ukończyła w 1985 roku.

Katz powiedział, że kołdra była magnum opus Kaufmana, uznaniem miejsca kobiet w historii sztuki, które stanowi zadośćuczynienie za marginalizację kobiet. Zauważyła, że ​​pikowanie to sposób, w jaki kobiety tworzyły sztukę – często kolektywnie i anonimowo – przez wieki. Mówiła, że ​​przez wieki kołdry były wysoko rozwiniętą formą sztuki abstrakcyjnej, która poprzedzała tak zwane wynalezienie abstrakcji w malarstwie.

Katz dodał, że tworzenie sztuki dekoracyjnej było ryzykowne dla Jane. Termin „dekoracyjny” był zabójcą kariery. To nadal jest. Myślę, że jej postawa w tamtym czasie była taka, że ​​nie była to najodważniejsza rzecz, jaką mogła zrobić; to było najbardziej potrzebne.

Artykuł pierwotnie ukazał się w The New York Times.